"Soy pionero en Colombia y a nivel internacional en el trabajo que realizo en papel"

Tras recibir el reconocimiento Maestro de Maestros, otorgada por la Fundación Corazón Verde, el escultor colombiano Christian Albarracín asegura que su mayor reto apenas comienza. En entrevista, revela cómo la exploración de nuevos materiales, como la piedra, y la creación de obras para espacios públicos marcarán una nueva etapa de su carrera, en la que busca profundizar el vínculo entre el arte, la ciudad y la memoria colectiva. Su trabajo reciente se orienta hacia la exploración de materiales como la piedra, con el propósito de expandir el alcance de sus piezas hacia intervenciones en espacios exteriores y públicos.

En su proceso creativo utiliza aproximadamente 30.000 unidades de papel reciclable al año, además de 6.000 láminas de papel y 2.500 láminas de piedra, integrando materialidad, ciudad y experiencia urbana como ejes centrales de su obra.

¿Qué representa para usted recibir el reconocimiento Maestro de Maestros y ser incluido junto a nombres como David Manzur, Pedro Ruiz, Ana Mercedes Hoyos y Hugo Zapata?

Siento que este último logro realmente se lo debemos a los grandes maestros. Ellos la tuvieron bastante dura en su trayectoria y nos han abierto el camino; por ejemplo, a Fernando Botero le tocó difícil, tenía una familia y arriesgarse así no es nada fácil. Gracias a que ellos se lanzaron y creyeron en su trabajo, hoy nosotros la tenemos un poco más fácil. Es un honor enorme, y también es muy valioso ver cómo fundaciones como Corazón Verde no solo se fijan en maestros consagrados, sino que invitan a artistas emergentes a intervenir piezas y dar a conocer su trabajo en estos espacios. Colombia está sacando el pecho en el tema del arte en este momento.

¿Cómo interpreta este reconocimiento dentro del momento actual de su carrera artística?

Llega en un punto donde la obra muestra una evolución madura. Los pasitos que uno da poco a poco son los que realmente lo ayudan a uno a construirse como artista. Este reconocimiento valida todo ese esfuerzo de arrancar desde abajo, pasar por etapas donde no vendías nada pero buscabas que reconocieran tu trabajo, hasta lograr posicionarte. Es el reflejo de una carrera que ha ganado constancia y un lugar respetado en el gremio.

¿Qué cree que ha sido determinante para que su trabajo haya alcanzado este nivel de reconocimiento?

Considero determinante que soy pionero en Colombia y a nivel internacional en el trabajo que realizo en papel. No hay nadie más en el mundo que trabaje este material de la forma en que lo hago, con esculturas de ese formato y de gran tamaño que, además, son resistentes al exterior. Aunque otras personas utilicen la técnica, mi obra tiene un sello que no se asemeja al de ningún otro artista, logrando romper el hito tradicional del papel.

Su trabajo aborda temas como la memoria, la sensibilidad humana y la reflexión social. ¿Por qué estos conceptos son tan importantes en su proceso creativo?

Porque nosotros no somos solo individuos aislados en una ciudad; formamos parte de un colectivo y lo que hacemos afecta a nuestra comunidad y a la parte social. Al trabajar mis obras mediante capas, represento cómo una sola capa (como el papel o una emoción aislada) puede ser frágil y dañarse, pero al unirse con otras se hace fuerte. Ese cúmulo de capas, de historias, de momentos aparentemente insignificantes o malas caras, es lo que en realidad nos construye como seres humanos, y no un solo instante de la vida.

¿Cómo logra transformar el papel en un lenguaje escultórico capaz de transmitir emociones y reflexiones profundas?

Lo logro a través del detalle y de retratar a personas reales. En mis esculturas puedes ver las arrugas, la tensión de los músculos y la fuerza de los cuerpos desnudos; se siente algo real, no algo falso. Además, mis personajes son anónimos, son sujetos de ciudad sin nombre propio. Ese anonimato permite que el espectador se identifique y diga: "ese puede ser mi papá, mi esposo, o puedo ser yo mismo". Así generamos una relación profunda y directa con la gente.

¿Qué papel juega la experiencia personal en la construcción de sus obras?

Juega un papel total, porque todas las personas que miran mi obra se llevan una parte de mí, de mi historia y de mi proceso como individuo. En ella está plasmada mi infancia, mi experiencia al salir del clóset, mis relaciones con mis amigos y mis propias emociones. Quienes conocen mi trayectoria de años ven mi evolución personal reflejada en las piezas. Me muestro como una persona real, frágil y fuerte a la vez, que se pixela, se transforma y se expone ante los demás sin filtros.

Su obra ha sido exhibida en Estados Unidos, Italia y otros países. ¿Cómo ha sido el diálogo entre su propuesta artística y los públicos internacionales?

Ha sido increíble porque en el exterior valoran muchísimo el trabajo manual, el oficio artesanal de ir construyendo la obra capa a capa. Cuando el público internacional ve que no es un "facilismo" como una impresión 3D, sino un trabajo minucioso que además rompe la frontera entre la escultura y el cuadro para convertirse en instalaciones de pared, la recepción es excelente. Hay una confianza muy grande por parte de coleccionistas de otros países en adquirir mi trabajo.

¿Qué diferencias encuentra entre la recepción de su trabajo en Colombia y en escenarios internacionales?

Hay que ser claros: a veces en Colombia no se valora tanto el trabajo manual o la materia en sí, sino la trayectoria del artista. En cambio, en el exterior se asombran del uso técnico del material. Sin embargo, cuando el público local nota que tu obra ya tiene un peso e impacto en ámbitos internacionales, empieza a valorarla y a respetarla mucho más aquí en Colombia.

¿Qué significó para usted participar en eventos como Context Art Miami y la Lucca Biennale Cartasia?

Participar en Art Miami (donde ya cumplo cuatro años junto con Palm Beach) ha sido una plataforma comercial increíble donde la obra ha tenido una acogida fantástica. Por otro lado, la Bienal de Lucca en Italia significó entrar a Europa por la puerta grande. Que ellos me buscaran directamente en 2024 para participar, sin yo haberlo solicitado, demuestra el peso de la propuesta. Además de ser un espacio cultural y no puramente comercial, allá también se han vendido mis obras, lo cual es muy significativo para un artista.

¿Cómo ve el momento actual del arte contemporáneo colombiano en el escenario internacional?

El arte colombiano está muy bien valorado afuera, hay propuestas excelentes y muy buenos artistas. Es increíble ver cómo curadores y compradores internacionales vienen a ferias en Colombia, como Feria del Millón, buscando arte emergente y queriendo descubrir nuevas miradas. Hay un interés real y una mirada muy positiva hacia lo que se está gestando en el país.

¿Qué oportunidades y desafíos enfrentan hoy los artistas colombianos que buscan proyectarse fuera del país?

El principal desafío es el riesgo de caer en manos de personas o ferias piratas que se aprovechan de la necesidad del artista. Al haber tanta oferta, te ofrecen espacios pequeños cobrándote una fortuna solo por exhibir, o terminas con el riesgo de que te roben la obra o no la puedas repatriar. El reto es saber con qué galería trabajar y no entregarse a cualquiera por desespero. Mi consejo para los artistas emergentes es que se protejan, que valoren su trabajo desde el inicio y que siempre exijan un contrato por escrito con las galerías para dejar las reglas claras.

¿Considera que el arte colombiano está viviendo una etapa de mayor reconocimiento?

Sí, totalmente. Sin embargo, el desafío interno es que a veces las oportunidades locales se quedan concentradas en un círculo cerrado de ciertos artistas que las galerías impulsan porque ya venden mucho. A pesar de eso, el reconocimiento externo es innegable y el arte colombiano sigue ganando espacios muy importantes en bienales y escenarios globales.

¿En qué proyectos o exposiciones se encuentra trabajando actualmente?

Actualmente el taller está marchando a toda máquina. Estoy concentrado en la producción de una exposición individual bastante grande que presentaré en Bogotá en el mes de octubre. Paralelamente, estamos preparando una obra de gran formato en papel para la Bienal de Shanghái a finales de año, la cual abordará justamente el concepto de la colectividad y cómo nos afectamos mutuamente como sociedad.

¿Qué nuevos retos creativos quiere explorar en los próximos años?

Quiero seguir profundizando en la técnica de la instalación pública y llevar el papel al exterior a gran escala. Seguir demostrando que un material considerado tradicionalmente frágil puede distorsionarse, deconstruirse y resistir a la intemperie en espacios públicos es un hito que quiero continuar rompiendo. Asimismo, estoy en conversaciones con una galería en Madrid para concretar una exposición y una feria en España el próximo año.

Después de este reconocimiento, ¿qué metas se ha propuesto alcanzar en su carrera artística?

Mi meta es no buscar el camino fácil ni ceder ante los facilismos tecnológicos. El arte requiere tiempo, disciplina, untarse las manos y dañar mucho material antes de conectar con algo real. Quiero mantener la constancia de levantarme todos los días a trabajar en el taller, seguir tocando puertas internacionales y no dejarme vencer por los "no", porque en esta carrera se reciben muchos rechazos antes de llegar a los "sí" que te abren las puertas del mundo.